Galerie Vera Munro

Diese Ausstellung zeigt eine neue Gruppe von Gemälden des Künstlers, die sich - inspiriert von Werken Fra Angelicos, Filippo Lippis und Pieter Saenredams - mit Vorstellungen von Glauben und kultureller Verdrängung auseinandersetzt. 

Die Arbeiten der Werkserie “After Saenredam“ bestehen aus neu konzipierten Innenräumen einer Kirche, an denen der niederländische Maler Pieter Saenredam einst gearbeitet hat und stellen Vorstellungen von Historizität und Gegenwart in Frage.  

Weitere Bilder des Zyklus "Apostasy" re-kontextualisieren Fra Angelicos Verkündigungsdiptychon von der Kirche in die Galerie, wo sie in die Erfahrung des Zeitgenössischen und der zeitgenössischen Kunstvorstellungen einfließen. Dies erfolgt innerhalb des einzelnen Bildes sowie innerhalb der Galerie als Ganzem.  Der Betrachter wird ermutigt, die Distanz zwischen dem abgebildeten Raum und dem realen Raum zu überwinden und sich skeptisch mit den Grenzen des Glaubens auseinanderzusetzen; sowohl in der Religion als auch in der Kunst. Ungeachtet dessen, besuchen wir nach wie vor Kirchen in aller Welt. Neben der Faszination für ihre Architektur empfinden wir sie – unabhängig von Glaubensfragen – als einen spirituellen Ort. 

In seiner über zwanzigjährigen Karriere wurden Winstanleys Arbeiten in Europa und Amerika ausgestellt. Jüngste Einzelausstellungen umfassen unter anderem Alan Cristea (London) Mitchell-Innes & Nash (New York), 1301PE (Los Angeles), Kerlin Gallery (Dublin) und Artspace (Auckland). Ferner wurde das Werk des Künstlers in Gruppenausstellungen unter anderem im Irish Museum of Art (Dublin) der Kunsthalle 

(Hamburg), Museum of Contemporary Art (Los Angeles), Tate Gallery (London) und dem Museo Cantonale d´arte und Museo d´arte (Lugano) gezeigt. Seine Arbeiten sind in verschiedenen Museumssammlungen u.a. dem Museum of Contemporary Art (Los Angeles), dem Irish Museum of Modern Art (Dublin), der Tate Gallery (London) und dem The British Council sowie wichtigen Privatsammlungen weltweit vertreten.

Paul Winstanley wurde 1954 in Manchester geboren. Er lebt und arbeitet in London. 

Dear Friends of the Gallery,

we would like to call your attention to our upcoming show Surfacingfrom Linda McCue.

The title refers to the book Surfacingby the Canadian writer Margaret Atwood. Her book adresses questions of identity (personal, national), gender roles, and memory. Linda McCue comes from Canada as well. Her home country plays a large role in her work. With quiet, precise concentration, the intensity of her paintings and drawings often draw on her daily surroundings or specific objects from her background (wood, porcelain) which in their forms, establish contexts with art history (Agnes Martin, Eva Hesse, Blinky Palermo). Beyond this, McCue plays in a subtly ambiguous way with objects and pictorial space, pattern and quotation, and merges reference and materials into compositions verging on the abstract. 

 Linda McCue was born in Toronto in 1964. She studied at the Ontario College of Art in Toronto, and in Hamburg at the Academy of Fine Arts under Werner Büttner. She has received numerous grants and awards, such as the Grant from the Else-Heiliger Endowment Fund/Konrad Adenauer Foundation (2015), the Edwin Scharff Prize from the City of Hamburg (2009), the Hans Günther Baass Studio Grant (2002 – 2004), and the Artist’s Grant from the City of Hamburg/ Hubertus Wald Grant (2000). Linda McCue lives and works in Hamburg.

 After exhibitions at the Konrad Adenauer Stiftung in Berlin (2015) and at the Hamburger Kunsthalle (2010), Surfacing is the artist’s fourth exhibition in our gallery. In connection with this show we would like to refer you to her comprehensive catalogue, The Materials (Hamburg 2015).

Dear friends of the gallery, 

we would like to introduce you to our newest artist: ANNE LAURE SACRISTE. We are happy to announce the french artist´s first solo show “Orion Aveugle” in our gallery, which is going to be her first show in Germany.

In an evocative balance between minimalism and symbolism, and closely linked to a sophisticated and harmonious development of elements, the work by the multi-faceted Anne Laure Sacriste focuses on the ontological matter of painting and on the visual perception that we generally have of it, creating an eccentric visionary repertoire that unfolds between nature and fantasy. This specific pictorial research is essentially based on an observational activity, first of reality and then of figurative abstraction, in which the relationship with space is a fundamental as the one with gestures and the intuition of forms. The artist's work displays predominant characteristics that reveal her classical education, clarity, logic and order. ALS in fact, is strongly inspired among others by the classical tendency of French artist Nicolas Poussin (1594-1665), by the romanticism of German artist Caspar David Friedrich (1774-1840), by the neoclassical paintings of French Jean Baptiste Dominique Ingres (1780 -1867) and by the symbolist ones of German artist Arnold Böcklin (1827-1901). The landscape, which represents one of the basic elements of her artworks, can be assessed with such classical composure, highlighting the dignified and bucolic attitude that intellectuals, from the 17th century onwards had taken with regard to nature.

Monochromatic background, plants and ornaments, are all intensified through a fusion process between visual history and a free association of images, typical of psychoanalysis, in order to simultaneously undermine the ideals of classical clarity and those of decrypted analysis.

ALS researches to represent the possibilities to represent what is real as well as those violations offered by fantasy: Her paintings are an invitation to move further and step into a world where time is suspended and apparently unintelligible, in which the emblematic element of the landscape carries a symbolic narrative. Each one of her artworks allegorically represents a passage from one place to another, where wishes, worries and creative impulses camouflage in medias res. Theses worlds which can be observed, disrupt what lies beyond what is concrete and empirical - a creative universe in which poetry and painting work hand in hand in the description of nature and of the status quo of things.

The landscape is marked with an immateriality in which the oxymoron between darkness and light plays on the thin line between gesture and emptiness.

Domenico De Chirico

Orion Aveugle

With the same image of Freud’s divan on its front and back covers, Orion Aveugle, Anne Laure Sacriste’s artist’s book, offers a selection of recent paintings marked by an intensification of the characteristics we have come to know: monochrome grounds, vegetal motifs and visual anamneses. Borrowing the principle of free association (here, of pictures) from psychoanalysis, she also includes a fragment from Nicolas Poussin’s Blind Orion Searching for the Rising Sun. This is her simultaneous subversion of the ideals of classical clarity and analytical decoding: we can see only thanks to blindness and dazzlement.

The Poussin inspired “Orion Aveugle” is only a part of our show.

Liebe Freunde der Galerie,

wir möchten Sie gern auf unsere kommende Ausstellung Throne von KOHEI NAWA aufmerksam machen.

2009 hatten wir die erste Ausstellung mit KOHEI NAWA in Deutschland. Inzwischen hat er eine herausragende internationale Karriere gemacht, eine Reihe bedeutender Auszeichnungen und Preise erhalten und wird von weltweit wichtigen Museen angekauft. Unter anderem wird er von der Pace Gallery New York und London, sowie vom Scai-Bathhouse in Tokyo vertreten. Zu dem sind seine Arbeiten Teil von Sammlungen wie beispielsweise dem Metropolitan Museum of Art in New York, dem Hara Museum in Tokyo, der Franks-Suss Collection London und der Pigozzo Collection New York und Genf. NAWA wird im Juli die Skulptur Throne, dessen Titel unsere Ausstellung trägt, in einer größeren Version in einer Höhe von 12 Metern in der Louvre-Pyramide in Paris installieren.

"In unserer zunehmend globalisierten Welt ist Vielfalt ein wesentliches Element für die Transformation und das Wachstum der Gesellschaft. Einheitliche Systeme von absoluten Werten und Prinzipien wurden benutzt um das Leben einer großen Anzahl von Menschen unter der Herrschaft von Königen oder Monarchen zu führen, aber eine solche Stimmigkeit ist heute selten. Der Fortschritt von Computern und künstlicher Intelligenz beschleunigt sich, und wenn sie das Stadium erreichen, in dem sie absolute Intelligenz besitzen, werden die Gesellschaft und ganze Nationen ihnen wahrscheinlich blind folgen. Diese Arbeit versucht diese Vorahnung als immens schwebenden Thron auszudrücken. Wenn man darüber nachdenkt, welche Instanzen von Macht und Autorität seit der Antike ohne Unterbrechung fortgeführt wurden, sind die Pyramiden ein Beispiel, aber wir müssen auch fragen, wie es in Zukunft weitergeht. Die Skulptur, die sich auf die Formen der Festwagen und tragbaren Schreine, die in den Ritualen und Festlichkeiten des Ostens erscheinen, bezieht, verbindet die heutigen 3D-Modellierungstechniken mit Goldblatttechniken, die auf die Zeit des alten Ägypten zurück gehen."

(Konzept für Throne)

KOHEI NAWA, geboren 1975 und derzeit in Kyoto ansässig, studierte an der University of Arts in Kyoto. Dort absolvierte er den Bachelor und Master of Arts im Bereich Skulptur und schließlich 2003 seinen Ph.D. 2009 gründete er „SANDWICH“, eine kreative Produktionsplattform. Durch seine PixCell Skulpturen begann NAWA das Potential von Skulpturen zu erforschen und arbeitete mit einer großen Bandbreite an Materialien, wie etwa Perlen, Polyurethanschaum und Silikonöl. NAWAs jüngste Projekte erweitern diese Erforschung auf Bereiche die Architektur und Performance, um sowohl Raum als auch Kunst zu schaffen.

Wir freuen uns auf Ihren Besuch.

Ihre Galerie Vera Munro 

Liebe Freunde der Galerie,

wir möchten Sie gern auf unsere kommende Ausstellung The Speed Of Light von WINSTON ROETH aufmerksam machen.
 

WINSTON ROETH ist weniger ein Maler der Farbe, mehr ein Maler der Empfindung. Empfindung nicht im Sinne der Saatchi-Definition, die sie mit „Schock“ und „Sensation“ verwechselt, sondern eher als eine Funktion von Gefühl und Wahrnehmung. Und doch bleibt die Farbe der fundamentale Kanal für diese Wahrnehmung, wenn auch innerhalb sorgfältig definierter Kompositionen, die seine und unsere Aufmerksamkeit erregen. ROETHS Gitter und Grenzen dienen als strukturelle Mechanismen, die das Sehen verlangsamen und beschleunigen, Licht enthalten oder freigeben und unsere Sichtlinien so ausrichten, dass wir das, was ROETH selbst als „Drift“ bezeichnete, am besten erleben können. Die Präsenz, die Leuchtkraft und der Charakter [ROETHS Bilder] ziehen sich nicht in den Raum zurück, sondern sind ständig reaktiv und immersiv – sie tanzen mit dem Licht. In diesem Sinne sind sie Turell näher als Jo Baer, mehr Matisse als Cezanne.

(Andrew Jensen)

WINSTON ROETH, geboren 1945 in Chicago, studierte an der University of Illinois in Champaign/Urbana, an der University of New Mexico in Albuquerque und am Royal College of Art in London. Er wird weltweit in Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt und ist bereits in bedeutenden internationalen Sammlungen vertreten u.a. im Museum of Modern Art, New York, in der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo, NY, im Kunstmuseum, Basel, im Museum Wiesbaden, in der Ives Klein Foundation in Tucson, im Utha Museum of Fine Arts in Salt Lake City, im Kunstraum Alexander Bürkle in Freiburg, im Fogg Art Museum der Harvard University Art Museen in Cambridge und im Benesse House Naoshima Contemporary Art Museum, Benesse Island in Japan.
Neben diesen Sammlungen gab es ortsspezifische Aufträge und Installationen wie in Sassuolo Italien, wo ROETH, von der Sammlung Panza beauftragt, elf permanente Werke für den Palazzo Ducale malte.

Wir freuen uns auf Ihren Besuch.

Ihre Galerie Vera Munro