GALERIE HOLTHOFF

Wir freuen uns auf die dritte Einzelausstellung des Hamburger Ausnahmekünstlers in der Galerie Holthoff. Wir standen zu Anfang des Jahres 2020 erstaunt und fasziniert in seinem Atelier - als wir eine erste Sichtung seiner aktuellen Arbeiten vorgenommen haben. Diese Faszination und Begeisterung hat sich in den kommenden Monaten noch gesteigert! Nun endlich können wir seine Arbeiten einem breiten Publikum zeigen.

Die Leinwände von Rudi Kargus brillieren durch eine gekonnte Komposition - Fläche, Form und verschwindende Figuration ergänzen sich in seinen Bildwelten. Seine  unterschiedlichsten Techniken und Malstile – mal verschwenderisch bunt, mal in monochromen Farbfeldern, mal anekdotisch - legen uns eine verführerische, eine geschickt inszenierte Fährte. Denn es gäbe sicherlich viele sinnvolle unterschiedliche Ansätze, die Kunst von Rudi Kargus zu interpretieren: auf seine Biographie bezogen, psychologisch oder auch auf die aktuelle Zeit bezogen. Und dann noch der Titel: broken flowers. Die Ausstellung für dieses sehr besondere Jahr 2020! 

Aber weit gefehlt. Indem wir versuchen seine Bilder zu lesen, indem wir versuchen die Geschichte und einen Halt in seinen Bildern zu suchen, sie vielleicht sogar in einen zeitlichen Kontext zu setzen, sind wir seiner gelegen Fährte gefolgt. Der Hamburger Maler hat aber einen anderen, wie ich finde wesentlich interessanteren Ansatz. Rudi Kargus studiert die Malerei! Er erforscht Grenzen und Stilmittel, „arbeitet“ sich förmlich in seine Bilder hinein. Denn trotz der Bindung an die Fläche ist die Malerei - gegenüber allen anderen bildenden Künsten - die Freieste. Und dies ist das Aussergewöhnliche an seinen Bildern. Rudi Kargus definiert und verwirft die freien Grenzen der Malerei - um sie im nächsten Moment wieder neu zu definieren. War z.B. in seinen früheren Arbeiten der freie Raum ein bildendes Stilmittel - auch um das Konkrete zu erheben - so verlässt er in seinen neuen Arbeiten sehr oft dieses scheinbar sichere Terrain und nutzt diesen „freien“ Raum, um das Bild in seiner Komplexität noch stärker zu machen.

Auf diese Weise entsteht die ganz persönliche, spannungsreiche und authentische Bildsprache in seinen Werken, die uns als BetrachterIn in den Bann zieht.Lassen Sie mich bitte zum Schluss noch etwas persönliches sagen. Jemandem wie ihm bei der Arbeit zu zuschauen, mit jemandem wie ihm über die Kunst zu sprechen und seine Demut gegenüber der Kunst und den Künsten zu spüren, ist eine große Bereicherung auch in meinem Leben. Vielen Dank dafür, lieber Rudi. 

Thomas Holthoff, Oktober 2020

›Establishing shots‹ nennt der Film erfahrene Maler Hieronymus Proske manche seiner Landschaftsbilder. In Acryl fixiert er weiträumige Panoramen, die auf der begrenzten Leinwand nichts von ihrer natürlichen Weite verlieren. Bilder, die für sein künstlerisch wichtiges Thema ›Landschaft‹ fast verbindliche Bildräume und Strukturen formulieren.

Für Hieronymus Proske sind Landschaften nachweislich das zentrale Motiv seines Werks. Mit keinem anderen Sujet hat er sich mit ähnlicher Intensität über einen vergleichsweise so langen Zeitraum auseinander gesetzt. Seine jüngsten Arbeiten mit Titeln, die sowohl exakte Beschreibungen des Bildgeschehens bieten als auch Proskes Hang zu handfester Poesie verraten – ›slow diffusion‹, ›the inner light‹, oder ›the unknown‹ beispielsweise, zeigen, dass sich Proske der Natur mit neuen Sehweisen, überraschenden stilistischen Variationen und einer ungewohnt dramatischen Ästhetik widmet. 

... Proskes jüngste Arbeiten aus den Jahren 2019 bis 2020, die hier zu sehen sind, verraten eine überraschend neue künstlerische Adaption des Ereignisses Natur, obwohl dessen Bestandteile die gleichen geblieben sind. Er befreit nun seine Landschaften von begrenzenden Konturen, löst sie in gewaltigen Farbräuschen auf, die keine Rückschlüsse mehr auf bestimmte Orte oder landschaftliche Gegebenheiten ermöglichen und dem Betrachter Natur an sich erlebbar machen. Hin und wieder tauchen zur Orientierung Boote oder Menschen  schemenhaft in diesen leuchtenden Farbwolken auf, die den individuellen Blick des Künstlers auf die Natur als Raumerlebnis beschreiben. Bilder, die Proskes Ziel, Natur als individuelle innere Ansicht auf die Leinwand zu bringen, unübersehbar andeuten.

Nicolaus Neumann

1. Tafel     Spell it
Das Alphabet ist ein System der Möglichkeiten. Aus einer begrenzten Anzahl von Symbolen – sechsundzwanzig an der Zahl – kann eine unendliche Vielfalt von Inhalten buchstabiert werden. Radikale Begrenzung und unbegrenzte Entfaltung. Darin liegt der Bann der Buchstaben. 

2. Tafel     Spell it, please
Gaby Bergmanns Kunst besteht aus Buchstaben. Gaby Bergmanns Kunst besteht auf Buchstaben: als Zeichen an der Schwelle zwischen Sinn und Form. Buchstabenalphabete sind willkürliche Zeichen. Ihr Sinn beruht auf einem Deal, einer Vereinbarung, die Menschen treffen. A ist A, und B ist B. Es könnte auch anders sein. Kommunikation ist Zufall. Ihr Gelingen ist ein Wunder. Das nicht zu vergessen, ist Politik.

...

Die überraschende Schönheit von Kohle-, Erz- und Abraumhalden. Aus dem Hubschrauber fotografiert der Fotokünstler Bernd Uhde seit vielen Jahren In vertikaler Aufsicht Kultur- und Stadtlandschaften. Dabei bildet nicht die Jungfräulichkeit der unberührten Natur, sondern gerade die von Menschen gestaltete Landschaft das spannende Motivrepertoire seiner Kunst. So bilden in diesem Album speziell der Braunkohle-Tagebau (Lausitz und Garzweiler), Aufschüttungen von Erzen oder Abraumhalden die Leitmotive der Fotografien, die vor dem schwarzen Bildgrund in faszinierender Präsenz aufleuchten.

Zur Ausstellung wird auch der neue BIldband des Künstlers "Black Album" - schienen bei Seltmann & Söhne - päsentiert. 

Eine wesentliche Motivation in Nina Hotopps Malerei ist es, ihre Kunst als Vermittlerin des Unaussprechlichen zu nutzen. Der Mensch ist gewöhnlich fähig, innerhalb von Bruchteilen einer Sekunde Gesichter und Körperhaltungen in Bildern zu deuten. Eine spannende Irritation tritt ein, wenn genau das nicht gelingt. Ist es eine Frau oder ein Mann? Ist es pure Selbstsicherheit oder gar Unsicherheit? Welche Brüche des Lebens, welche Verletzungen der Seele wirken mit? 

Die Bilder von Nina Hotopp sind zeitlos. Nur auf den ersten Blick wirken ihre dargestellten Figuren auf zumeist großformatigen Leinwänden zugewandt, zärtlich, dynamisch oder auch in sich ruhend. Diese Stimmung wird jedoch irritiert durch eine sonderbare Kühle, die von den Bildern der Hamburger Künstlerin ausgeht und dabei den Betrachter anzieht und einfängt. Es gelingt kaum, die Bilder nur im Vorbeigehen wahrzunehmen ohne kurz innezuhalten. Sehr subtil kreiert die Künstlerin Szenen und Motive in ihrer Malerei, bei der sie ihre charakteristische Bildsprache dazu nutzt, psychosoziale Bezüge darzustellen und das vielschichtige, oft widersprüchliche Seelenleben ihrer Figuren anzudeuten. Ihre Leinwände sind geprägt von der Spannung im Minenspiel ihrer dargestellten Personen und deren Beziehung zur Gesamtkomposition des Bildes.

Mit ihren formalen Ausdrucksmitteln begibt sich Nina Hotopp in einen Balanceakt zwischen figurativer und abstrakter Malerei. Dabei wird ihr Malprozess, gesteuert von einem thematisch roten Faden, meist intuitiv geleitet. Die expressive Farbgebung und der dynamische Duktus ihrer Formgestaltung vermitteln einen visuellen Sinneseindruck, der einen Großteil der kompositorischen Palette ausreizt. Dieses Spiel zwischen malerischen und grafischen Bildelementen beherrscht die Künstlerin exzellent.

In ihrer dritten Einzelausstellung bei uns führt Nina Hotopp eindrucksvoll ihr Thema „Die menschliche Figur in der Malerei“ fort und deutet bereits im Ausstellungstitel auf die Mehrdeutigkeit ihrer Darstellungen hin : Blurring Lines.

Katharina Mokross (Text aus dem Katalog der Ausstellung)

Paradies und Paradox – Inka Büttner oder die Anatomie des Querfeldein

Was ist Collage?

Max Ernst hat es so definiert: Collage-Technik ist die systematische Ausbeutung des zufälligen oder künstlich provozierten Zusammentreffens von zwei oder mehr wesensfremden Realitäten auf einer augenscheinlich dazu ungeeigneten Ebene – und dem Funken Poesie welcher bei Annäherung dieser Realitäten überspringt. Und wo kommen diese Realitäten her? Von überall – nur nicht aus der Realität; sondern aus Büchern, Photos, Katalogen, Werbung. Die dargestellten Gegenstände sind blick- und sinnverwirrend und können – je nach Blickwinkel – schnell ihre Bedeutung wechseln. Collage als Prinzip – als Philosophie, Inka Büttner macht ihren Weg – jenseits der Malerei querfeldein, sicher und elegant. Getreu der Tatsache: exotische Schlangen im ›Who is Who‹ der Zoologie können langweilig sein, kommen sie jedoch aus dem Briefkasten, ist man entzückt! Oder: trage ich die passende Decke am Rande des Universums? Wie bleibe ich standhaft in der Schwerelosigkeit? Dank medialer Bilderfluten ist unser Leben unüberschaubar geworden. Und ist der überfüllte Kunstmarkt überhaupt noch ergänzungsbedürftig?

Ja – wir brauchen die Poesie mutiger Bilder – im Stile Inka Büttners – für unser kulturelles Immunsystem. An die Wand mit ihnen!

Moishe Moser / Text aus dem Katalog  

Es ist, wie es nicht ist

Peter Buechler ist ein Sammler und Entdecker, der seine Kunst, seine Objekte oftmals zufällig findet und aus diesen Fundstücken etwas Neues macht.  

In den Assemblagen und Bildern von Peter Buechler verbinden sich viele Ausdrucksformen zu einem Gesamtkunstwerk. Ob Malerei, Print, Installation oder Sound, er hat keine Scheu vor seiner eigenen Versuchsanordnung und schafft somit seine ganz eigene Bildsprache. Peter Buechler überlässt sich den Dingen wie sie gerade kommen und bezieht Irritationen, Missverständnisse und Fehler ganz selbstverständlich in seinen Schaffensprozess mit ein. Sie sind für ihn der Nährboden, auf dem es sich als Künstler gut arbeiten lässt.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.

Ulrich Bittmann öffnet mit seinen Werken für den Betrachter ungewöhnliche Perspektiven im Dialog mit seiner Kunst. In seinen mehrschichtigen Bildwelten – im Zusammenspiel von malerischen Texturen und Farben, Verzerrung und Verfremdung von Blickwinkeln und Figuren – erschafft der Künstler seltsam anmutende eigene Realitäten auf seinen Leinwänden. 
Seine Werke erklären dabei nicht, sie sind eher durch diese intensive und exzellente Komposition erlebbar. Durch die von ihm geschaffenen Anordnungen von Raum im Zusammenspiel mit Figur und symbolisch aufgeladen wirkender Farbwelt provoziert uns der Künstler ständig zu Deutungen, fordert uns förmlich auf, Gesehenes zu interpretieren.  

Antoni Tàpies, der Zeit seines Lebens der Stadt Barcelona treu blieb,
gilt als bedeutendster Künstler des Informel.
Wir zeigen Originalgrafiken - signiert und nummeriert - dieses Ausnahmekünstlers.

Joseph Beuys, sicherlich einer der größten Künstler des 21. Jahrhundert, war - neben seinen imposanten und konzeptionellen Installationen, seinen Aktionen und politischen Aktivitäten - auch ein Zeichner, der die Druckgrafiken schon früh für sich entdeckte. Wir zeigen Originalgrafiken - signiert und nummeriert - von Entwürfen, die bis auf die 1950er Jahre zurück gehen.

Swaantje Güntzel (*1972) absolvierte nach einem Ethnologiestudium an der Rheinischen Friedrich-Wilhelms-Universität Bonn ein Aufbaustudium Freie Kunst an der HfbK Hamburg und arbeitete mehrere Jahre als künstlerische Assistentin von Andreas Slominski. Güntzels Hauptanliegen ist es, Wege zu finden, die anthropogene Verschmutzung der Meere und die Präsenz von Plastik in unserem Alltag mit den Mitteln der Kunst sichtbar zu machen und in das Bewusstsein des Betrachters zurückzuführen.

Ihr künstlerischer Ansatz entspringt einer tief verwurzelten ästhetischen Position, die die essenzielle Dichotomie zwischen visueller Lust und verstörenden globalen Fragen auslotet. Die Arbeit ist eine beunruhigende Kritik des modernen Lebens im 21. Jahrhundert. Ein Großteil ihrer Arbeiten wurde durch den direkten Austausch mit Wissenschaftlern (Biologen, Meeresbiologen, Physikern, Wildtierforschern) inspiriert, die Swaantje Güntzel im Rahmen ihrer Forschung Daten und Material zur Verfügung stellen und weiterführende Fragen beantworten.

Abbildung links:  Nordsee // Ü-eierÖl auf  auf Leinwand, Plastik, 59 x 89 cm
Ölbild, inspiriert von Patrick von Kalckreuths „Schaumkronen auf Wogender See“ (1950), das von einem chinesischen Kopisten in „Dafen Village“ in Shenzen/China im Auftrag der Künstlerin angefertigt wurde. Der Ölfarbe wurden Plastikpartikel beigemischt, die aus geschredderten Überraschungseiern gewonnen wurden. Die Überraschungseier stammen aus einem Container, der sich auf dem Weg nach Russland befand und im Sturmtief Axel im Januar 2017 vor Langeoog havarierte.

Jan Philip Scheibe (*1972). Die künstlerische Arbeit von Jan Philip Scheibe wird im wesentlichen geprägt von Installationen und Performances im öffentlichen, urbanen Raum und in der freien Landschaft - oft verbunden mit Licht. Seine Interventionen an ausgewählten Orten, mit außergewöhnlichen Materialien und Methoden, machen Verborgenes sichtbar. Sie kreieren real und gedanklich neue, bislang ungesehene Räume. Verbale Kommentierungen von Orten und Objekten, Konfrontationen vordergründig nicht zusammengehöriger Dinge oder die Beleuchtung von alltäglichen Gegenstände spiegeln ein breites Spektrum seiner künstlerischen Kreativität, phantasievoll, ernsthaft und selten ohne Ironie.

Seine Arbeiten und Performances wurden an zahlreichen Orten in Deutschland und im Ausland präsentiert, u.a. im MARTa Herford, der Kunsthalle Recklinghausen, auf der Skulpturbiennale Münsterland, der Lichtpromenade Lippstadt und im Skulpturenpark Köln.

2006 erhielt er das Niedersächsische Landesstipendium für bildende Kunst in den Künstlerhäusern Worpswede und wurde seitdem mit zahlreichen weiteren Stipendien im In und Ausland ausgezeichnet.

Abbildung links: Kiddy Ride, 2016/18, Metall, Glasfaser, Farbe, Steuerung, Leuchtmittel, Kabel,Gesamtinstallation variable Maße, Wackelauto 140 cm x 80 cm x 104cm
Ein Wackelauto, wie es normalerweise vor Einkaufsläden steht, ist in die Wand des Galerieraumes gefahren. Das Auto hat einen kapitalen Blechschaden an der rechten Motorraumseite erhalten. Auch die Wand hat Schaden genommen. Am Boden liegen abgerissene Blechteile, kaputte Scheinwerfer und Blinkerabdeckungen, sowie Staub und Steine aus der Wand. Die Innereien des Autos sind erkennbar, trotzdem blinken immer noch einzelne Birnen, auch die Wackelfunktion des bunten Jeeps ist intakt. Alle zehn Minuten setzt sich das Auto für einige Minuten in Bewegung

In KiddyRideFun interpretieren beide Künstler ein wiederkehrendes Thema ihrer Arbeiten. Das Versprechen, welches uns als Kind mit dem Fortschritt und dem Glauben an eine verheißungsvolle Zukunft gegeben wurde. Heute, viele Jahre später, ist von dieser Sehnsucht und Optimismus wenig übrig geblieben. Beide Künstler thematisieren den Verbrauch von Ressourcen, die Verschmutzung unserer Welt und die unerfüllte Sehnsucht nach einer besseren, reinen Welt. 

Vernissage 29. Juni 2018 . 19 h

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog

Vita
1969 in Ludwigshafen geboren, in Nord-Deutschland und Süd-Indien aufgewachsen

1989-90 Freie Kunstschule Nürtingen

1990 Kontaktstudiengang für Popularmusik, Musikhochschule Hamburg

1990-96 Studium an der HAW in Hamburg im Fachbereich Illustration, u.a. bei Prof. Peter Loeding

Seit 1997 Lehrtätigkeit an privaten Akademien und dem Museum der Arbeit

2000 Hamburger Musikerinnen Stipendium

2005-12 Veröffentlichung von 4 Solo-Alben bei ACT Music und Blue Pearls Music

Neben der Malerei, widmet sie sich seit vielen Jahren der Druckgrafik, insbesondere der Lithografie, und ihren musikalischen Projekten.

Sie lebt und arbeitet in Hamburg.

Vernissage 18. Mai 2018

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog. 

Gesine Englerts Leinwände beeindrucken durch die gekonnte Komposition von Flächen, Form und Figuration. Große Formate werden von ihr virtuos mit Ölfarbe bearbeitet; Farbspritzer, und teilweise pastose Farbaufträge in expressiver Farbigkeit wirken, als hätten sie einander gesucht und sich endlich auch gefunden. Das kraftvoll und gekonnt wirkende Miteinander ist Ausdruck und Ergebnis, eines Schaffensprozesses in den sich Gesine Englert bei der Entstehung ihrer Werke vollends begibt. Es gibt keine Vorzeichnungen oder Vorlagen, die die Künstlerin bei ihrer Arbeit interessieren. Sie malt intuitiv und folgt dabei ihrem Drang, in den Dialog mit sich und der Leinwand zu gehen. Nichts ist geplant, alles entsteht im Prozess, Anfang und Ende gehen ineinander über und zeigen sich ab dem Moment, in dem der von ihr geführte Farbpinsel Kontakt mit der Leinwand aufnimmt.

Vernissage: 9. Februar 2018 . 19 h 

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.  

Seit vielen Jahren ist die Hauptmotivation  im künstlerischen Werk von Nina Hotopp die Psychologie. Ihre figürliche Malerei be­schreibt mit persönlichem Symbolismus das komplexe Seelenleben von Menschen. Es sind zumeist Fotos aus vergangenen Zeiten, die der Künstlerin als Inspiration dienen, sich in das Innenleben von Menschen hineinzu­versetzen, hinter Kulissen zu schauen, See­lenzustände zu erforschen und diese in ih­rem charakteristischen Malstil zum Ausdruck zu bringen. Dabei werden Nina Hotopps ge­zeigte Figuren als generelle Stellvertreter menschlichen Seins inszeniert und erheben keinen Anspruch auf real existente Persön­lichkeiten.

Ihre dargestellten Personen sind schwer in der Zeit zu verorten. Manche Details scheinen zwar Hinweise auf zurückliegende Generationen zu geben, dennoch bleiben der Ausdruck und die Gesamtwirkung zeitlos und damit allgemeingül­tig. Mit behutsam eingesetzten ›Störern‹, wie stark richtunggebenden Farbwischern und ex­pressiven Farbstrukturen, steigert die Künst­lerin den Reiz ihrer Bilder. Die Abbildung von Tierfiguren dient zusätzlich als symbolischer Ausdruck innerer Zustände, Vorstellungen und Visionen. »Mit leisen Botschaften möchte ich Intensität ohne Übertreibung erreichen«.Im aktuellen Schaffenszyklus von Nina Hotopp hat sich im Vergleich zu früheren Arbeiten, nicht nur die Darstellung von Figuren, sondern auch die Konstruktion von Bildräumen präg­nant verändert. So erhält jetzt der Hintergrund mehr Relevanz im Zusammenspiel figurativer Darstellungen. Abstrahierte Räumlichkeiten mit bedeutungsvoller Farb­ und Formgestal­tung beeinflussen zusätzlich das Erscheinungs­bild der Figuren, wodurch eine Verortung der Personen anhand des Hintergrundgeschehens stattfindet. Gefangen in diesen Bezügen steht den Figuren kein Fluchtort zur Verfügung – auch wenn sie teilweise so wirken, als seien sie in Bewegung. Sie sind in indifferenten räumlichen Bezügen dem Bildbetrachter schutzlos ausgeliefert.

Die neuen Arbeiten des international ausgestellten Fotokünstlers Bernd Uhde führen einen konsequenten, nächsten Schritt in seiner künstlerischen Entwicklung fort. Bestanden seine bisherigen Serien aus einer offensichtlichen, geradezu narrativen Bildsprache – erzeugt durch die Aufsicht und seine Suche nach  malerischen Elementen – sind seine neuen Arbeiten grafische Kunstwerke, die den radikalen Weg in die Abstraktion suchen. Die Arbeiten erinnern an die Malerei im Stil des ›Colourful Paintings‹ 

Im Unterschied zur Malerei des abstrakten Expressionismus jedoch bildet Bernd Uhde die Wirklichkeit  ab – allerdings und vor allem in seinen neuen Arbeiten in ihrer ästhetischsten Abstraktion. Farbfelder,  in besonderer Anordnung, werden durch den Künstler mithilfe seiner Technik sichtbar gemacht.  Er fotografiert Landschaften so, wie sie der Mensch durch sein Wirken in der Natur hinterlässt.  

27. Februar – 1. April 2017

ALEXANDRA VOGT ist international bekannt und mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet. Die Künstlerin (*1970 in Mussenhausen) ist Malerin, Fotografin und Videokünstlerin. Vogt studierte an der Akademie der Bildenden Künste München, der Glasgow School of Art und an der Kungliga Konsthögskolan Stockholm. 

Die Bilder der Künstlerin zeigen Gesichter und Frauengestalten. Vogt schafft mit einfachsten Mitteln archetypische, fast maskenhafte Figuren. Kein überflüssiges Detail, kaum Farbe. Doch die meisten dieser Bilder sind Übermalungen und die Zeichnung des ursprünglichen Bildes bleibt weiterhin sichtbar, so dass sich bei genauerer Betrachtung ein sehr viel feineres Bild ergibt als es zunächst den Anschein macht.

Diese Ausstellung ist eine Kooperation zwischen HOLTHOFF-MOKROSS und BARUTZKI DESIGN. Die Ausstellung findet in den Räumlichkeiten der Agentur in der Virchowstr. 12/14 statt. 

Vernissage

Freitag, 10. Februar 2017 . 19 h

Ausstellung

Samstag, 11. Februar 2017 . 12-18 h

Sonntag, 12. Februar 2017 . 12-16 h          

und nach Vereinbarung

Thema der diesjährigen Gruppenausstellung PAPER WORKS – die bereits zum vierten Mal stattfindet - ist „Illustration“. Wir zeigen 17 Künstler und ihre Positionen.  

Jutta Bauer . Gaby Bergmann . Larissa Bertonasco . Joseph Beuys . Jens Bonnke . Eiko Borcherding . FRANEK . Karlotta Freier . Pierre von Helden . Martin Kippenberger . Judith Mall . Til Mette . Jub Mönster . Claudia Rößger . Markus Vater . Franz Zauleck . Muriel Zoe

Rudi Kargus spielt in seinen Arbeiten mit unseren Sehnsüchten - ohne diese zu erfüllen. Er beschreibt einen Stillstand, die Katharsis vom ausgehaltenen Leben, vom Zusammenbruch der stabilisierenden Ordnung, vom Warten auf etwas Unbestimmtes. Seine Malerei ist anarchisch, irritierend und voller Brüche. Wir erkennen leise, zaghafte Kritik an den Umständen. Das Außen löst sich auf, die ideologische Fassade ist eingestürzt und das Versprechen auf Glück scheint gebrochen. 

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.

Vita 

1952__geboren in Worms am Rhein
1971-89__Profifußballspieler beim  Hamburger SV und anderen Vereinen
seit 1996__intensive Beschäftigung  mit der Malerei,
diverse Schulungen bei verschiedenen Dozenten, u.a. Prof. Lüpertz
seit 1997__enge Zusammenarbeit mit dem Kunstdozenten Jens Hasenberg

Nach vielen Jahren – in denen sich die Berliner Künstlerin Helma Petrick kaum der Öffentlichkeit gezeigt hat – freuen wir uns außerordentlich HELMA in der HOLTHOFF-MOKROSS Galerie in Hamburg zu präsentieren. 

In der Malerei von HELMA werden Grenzen der Wirklichkeit überschritten. Realität und Traum vermischen
sich zu einer poetisch-fantastischen Atmosphäre. Die surreal anmutenden Szenerien ihrer Werke, in akribisch und meisterlicher Perfektion gemalt, spielen mit einer schönen und gleichzeitig unheimlichen Innen- und Außenwelt. Der Betrachter spürt dies intuitiv, ohne jedoch eindeutige Erklärungen dafür zu finden. 

HELMA (geb.1940 in Berlin) zählt zu den großen Damen der deutschen Kunstlandschaft. Ihre Arbeiten sind Sammlungsbestandteil einiger namhafter Kunstsammlungen – u.a. in der Sammlung Ulla Pietzsch, der
Sammlung Jutta und Manfred Heinrich (Maulbronn) oder im „Neuer Berliner Kunstverein“. 

Vive les vacances!

Beim Betrachten von Inka Büttners Collagen kommt mir eine Zeile aus Wallace Stevens Gedicht "Prologues to what is possible" in den Sinn: Der amerikanische Dichter, in dessen Poesie oftmals ein Möglichkeitsraum durch die Kollision des Unbewussten mit der Realität entsteht, fantasiert darin über ein steinernes Boot. Die Steine sind leicht, sie wiegen nichts. Daher weist das Boot "a brilliance of unaccustomed origin" auf. Und der Passagier verlässt damit bekannte Gefilde. Jene so ungewöhnliche wie brillante Originalität zeichnet auch das Werk von Inka Büttner aus. Es lässt ihre Collagen so suggestiv wie eigenartig, so anzüglich wie beiläufig erscheinen. Sie verweisen sowohl auf die Künstlerin selbst als auch auf die Geschichte der Collage schlechthin und zeigen uns trotzdem unbekannte Gewässer.

Es darf gerätselt werden, warum nur die wunderschön anzusehenden, übereinandergeschlagenen Beine einer sitzenden Frau zu sehen sind. Der Rest ihres Körpers bleibt abgeschnitten. Eine der beiden hochhackigen Sandalen steht auf einem Wasserschlauch. Auf dem anderen Bein docken demnächst zwei große, abgegessene Wassermelonenschalen an, wie Raumschiffe bei der Mondlandung. Oder werden sie von der kirschroten Sandale in die Luft gekickt, schweben wie Ballons? Jedenfalls stimmen die Proportionen und die Kulissen in diesen Collagen nie so ganz. Wohlstandsmüll taucht auf. Sein Farbgehalt wirkt stets gedämpft, hingetupft, nie Paintballmäßig grell.    

Kleine Störungsmanöver lenken von der Handlung ab, regen die Sinne an, bereichern Büttners Bildsprache: Die bunten, konfettihaften Papierlocherpunkte auf einer Fotografie, die eine unscharfe Straßenszene zeigt, womöglich in Paris. Unten rechts schiebt sich eine Art-Deco-Villa ins Bild, wie man sie aus Los Angeles kennt. Die ausgelassene Stimmung scheint die neue mit der alten Welt zu verbinden.  

Zuhause wartet Unheil in der Post: Ein Schlangengezücht hängt vor einem Briefkastenaufbau. Der Aufbau erinnert an bundesdeutsche Hochhaus-Sammelbriefkästen. Flaue Gefühle statt Idylle. So schnell wie sie aufkommen, verfliegen sie wieder. Inka Büttner lässt sich immer von den Schiffshörnern ihrer Heimatstadt Hamburg inspirieren. Mit ihnen schweift sie in die Ferne: Schon in der nächsten Collage lädt das spektakelnde Wesen einer Großstadt zum Abtauchen ein, ihre Lichter und Skylines, man muss unweigerlich an pulsierendes Leben und die Möglichkeiten von Anonymität denken; darüber Vorhänge, von einer Requisitenhand werden sie zu- und aufgezogen. Ein Spiel mit unseren Illusionen.

Aus dem Mythenhut der Popkultur zaubert Inka Büttner ungeahnt Neues hervor. Den bekannten Posen und Ikonen entsteht so eine sinnvolle Konkurrenz:   Alain Delon, der eiskalte Engel, steht plötzlich im Regen. Oder sind es Tränen der Wut, die jemand weint?

Büttner folgt einer Frau, die nur mit einer Jacke und in Stiefeletten durch eine Wiese geht. Der Fokus richtet sich auf ihren wundervollen Hintern. Ein Klecks umhüllt ihren Oberkörper, beschützt sie vor allzu aufdringlichen Blicken.

Eine andere Figur unter einem Badetuch bleibt vollständig im Dunkeln. Macht gar nix,   sie steht mitten in einem explodierenden Wolkenband aus Zuschreibungen und Nadelbäumen.

Nacktheit und Bekleidung, Erotik und Kunstwillen ringen miteinander, den Ausgang lässt Inka Büttner offen. Deshalb bleiben ihre Ferien spannend.  

Julian Weber  

Der international arbeitende und angesehene Künstler Jan Holthoff reüssierte als Meisterschüler von  Herbert Brandl - im Anschluss an sein Studium an der Kunstakademie Düsseldorf. 2011 bis 2013  unterhielt Holthoff ein Atelier in Brooklyn, New York City. Unt

2013 wurde Jan Holthoff - der in Düsseldorf lebt und arbeitet - mit dem Douglas Swan Kunstförderpreis ausgezeichnet.

VITA JAN HOLTHOFF  

1977 in Duisburg geboren
2006  Promotion zum Dr. iur mit der   interdisziplinären Dissertation "Kulturraum Europa", Schriften zum Kunst- und Kulturrecht, Band I; Hrsg. u.a. Prof. Peter Lynen, Staatliche Kunstakademie Düsseldorf, CIAM; Erschienen in: Nomos Verlag, Baden-Baden; Dike Verlag, Zürich; facultas.wuv Verlag, Wien
2002-2008  Studium Freie Kunst an der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf bei den Professoren Gerhard Merz, Helmut Federle und Herbert Brandl. Er schloss das Studium mit dem Akademiebrief (Diplom) ab und wurde von Herbert Brandl zum Meisterschüler ernannt.
2011-2013  Atelier in Brooklyn, New York City

EINZELAUSSTELLUNGEN (AUSWAHL)  

2017  Jan Holthoff, Galerie Wittenbrink, München
2016  Back and Forth, HOLTHOFF-MOKROSS  Galerie, Hamburg
Twisted Moment, Graeser Schmidt Contemporary Art, Köln
Intervention und Verortung (mit Bruno Kurz), P13 Galerie, Heidelberg
Parallel zur Natur, Galerie Weick, Düsseldorf

2015  Shaping the Indeterminacy, Galerie Schütte, Essen  
Vom Möglichen zum Wirklichen, Raumsechs, Düsseldorf
Traces, Kunstverein Plauen, Plauen

2014  Shifting Vacuum, Lehr Zeitgenössische Kunst, Berlin
Flickering, Martina Kaiser Cologne Contemporary Art, Köln
Frozen Gestures, Galerie Wittenbrink, München
Open Forms, Galerie Weick, Düsseldorf

2013  Wetterhorn Project, Künstlerverein Malkasten, Düsseldorf
Frozen Gestures, fuchs projects, New York City, USA
Mental Spaces, Lehr Zeitgenössische Kunst, Köln
Subjective Matter, Galerie Börgmann, Mönchengladbach
Douglas Swan Förderpreis, August Macke Haus, Bonn

2012  The Chemical Landscape, Ethan Pettit Contemporary, New York City, USA

2011  Broken Vistas, Lehr Zeitgenössische Kunst, Köln
Zwischen Abstraktion und Gegenstand, Kunstverein Aurich

2010  On a Clear Day, deutsches haus, New York City, USA
Stereo, Kulturforum Alte Post (mit Kathrin Ahlt), Neuss
Still it Shines, Galerie Börgmann, Krefeld
Lost Place, Blue Mountain Gallery, New York City, USA

2009  In Dialogue with Structure,
schreier & von metternich fine arts, Düsseldorf
Beyond the Surface, Galerie Gora, Montreal, Kanada
Riding the Snake, Galerie Wittenbrink, München

2008  Jan Holthoff, schreier & von metternich fine arts, Düsseldorf
Jan Holthoff, Kunstraum Rauchsalon, Wien, Österreich"

2007  Jan Holthoff, cubus kunsthalle, Duisburg
Jan Holthoff, Galerie Pesch, Duisburg
Jan Holthoff, Kunstverein Duisburg

GALERIEVERTRETUNGEN  

Berlin
Lehr Zeitgenössische Kunst
Großbeerenstraße 16
10963 Berlin
Tel.: +49 30 21 918 873
www.lehr-galerie.de

München
Galerie Wittenbrink
Türkenstr. 16
D-80333 München
Tel.: +49 89 26055-80
Fax: +49 89 260-58-68
www.galeriewittenbrink.de

Köln
Martina Kaiser Cologne Contemporary Art
Bismarckstrasse 50
50672 Köln
Tel.: +49 178 783 3990
www.galeriemartinakaiser.de

Düsseldorf
Galerie Weick
Mannesmannufer 7
40213 Düsseldorf
Tel.: +49 211 - 86 811 86
www.galerie-weick.com

Mönchengladbach
Galerie Börgmann
Wallstraße 7
41061 Mönchengladbach
Tel.: +49 160 3600957
www.galerie-boergmann.com

New York City
ethan pettit gallery
10 Eighth Avenue
Brooklyn NY 11217, USA  
Tel.: 001 347-578-3041
www.ethanpettit.com

Die Künstlerin FRANEK thematisiert in ihrem neuem Werkzyklus "paradise under control" die Kindheit - als Metapher dafür steht das Paradies. Alles scheint ohne Angst und Misstrauen, die beängstigende Überwachung (Drohnen) hat dabei in die heile Welt schon lange Einzug gehalten.    

Waren es früher oftmals Arbeitsprojekte in fremden Ländern und Kulturen, so sind es jetzt eher Werkzyklen, die thematisch und bildnerisch Bezug nehmen auf die Geschichte der Künstlerin, auf die Dinge, die sich um sie herum abspielen.  

FRANEK, deren Arbeiten im Deutschen Bundestag in Berlin hängen, studierte an der Hochschule für Bildende Künste in Berlin, ihre Arbeiten sind in über 30 Sammlungen und Museen vertreten. Vor kurzem erschien ihr Buch "als die Soldaten Schäfer waren" im nicolai Verlag.

FRANEK lebt und arbeitet in Berlin und Radegast.

Eckhart Gillen im Gespräch mit der Künstlerin in: FRANEK "als die Soldaten Schäfer waren", S. 217 ff, nicolai Verlag 2015

" ... Auf den zweiten Blick zeigt sich zwischen den wunderbaren Seifenblasen die Drohne. Das ist überhaupt das Eindrucksvollste an diesem Buch, an diesen Bildern, dass Du genau dieses Kippmoment zum Ausdruck bringst: Wir glauben alle an eine heile Welt, wir sind alle offen, wir wollen uns in diese Welt begeben ohne Misstrauen, ohne Angst, und wir sind uns dennoch ständig bewusst, wie illusionär unser Idealismus ist. Das, was Ernst Bloch zum Ausdruck brachte, wenn er sagte, es gibt kein Paradies, aber eine Ahnung davon haben wir alle einmal erlebt in unserer Kindheit, wird sichtbar in Deinen Bildern."

2015 erschien eine umfassende Kollektion des Werkes von CAN Gründer Irmin Schmidt - eine 12er CD Box mit dem Titel ELECTRO VIOLET - inklusive seiner Solo Arbeiten und Film-Musiken.

Unveröffentlichter Track: WHY NOT hier: https://vimeo.com/140667655  

Das Cover-Artwork der Box ist eine Reproduktion des Bildes BÄRENKUSS 5 (2001, Mischtechnik auf Leinwand,142 x 122 cm) der Künstlerin FRANEK, eine langjährige Freundin Schmidt"s.  

Die  Arbeit  wird in der Ausstellung erstmalig in Hamburg gezeigt.  

Drucke . Grafiken . Zeichnungen . Collagen

Künstler

Antoni Tàpies . Almut Heise . Benjamin Appelt . Claudia Rößger . Egle Otto .  Eiko Borcherding . FRANEK . Gabriele Walter . Günther Rost . Heinke Both . Ignacio Burgos .  Inka Büttner . Jan Holthoff . Joanna Paljocha . Joseph Beuys . Jub Mönster . Kathrein Bothe .  Martin Kippenberger . Magdalena Rysopp . Muriel Zoe . Nina Hotopp . Olga Czewska . Patrick Sellmann . Stefan Pertschi . Swaantje Güntzel

Abbildung: FRANEK . Schmetterlingsfänger 3 . Mischtechnik auf Papier . 65 x 88 cm . 2005

Der Künstler Hieronymus Proske beschäftigt sich in seiner Malerei mit Licht und Reflexionsphänomenen. Zu seinen Sujets gehören Landschaften, Akte und Kindheit.

Er formt in seinen Bilderwelten eine künstlerische Position, deren Grundlage das Prinzip der Unschärfe ist. Dabei wirft er die Frage auf, was ein Bild wiedergeben kann: Individuelle  Erinnerungen, reale Sachverhalte oder eine Kombination aus beidem.  

Die Schönheit und Ästhetik seiner direkten Umgebung reizen den Künstler; ganz unaufdringlich vertraut er dem Betrachter seine Idee von Kunst an. Aber er lässt Raum für die eigene  Interpretation unserer persönlichen und individuellen Erlebnis- und Erinnerungszeit.  

Hieronymus Proske wird auch auf der diesjährigen Affordable Art Fair zu sehen sein Stand C2 / HOLTHOFF-MOKROSS Galerie).  

Vernissage: 28. August 2015 . 19.00 - 22.00 h

Thomas Holthoff im Gespräch mit Katharina Wilke, 2013

Wie würden Sie ihre Kunst beschreiben?

Zwei Dinge interessieren mich. Zum einen abgelegte Sachen nochmals zu benutzen. Alte Bilder, Dias, auf denen das Leben aus

den 60er / 70er Jahren dargestellt wird. An den Bildern, die die Grundlage meiner Kunst bilden, mag ich diese oftmals

dargestellte alltägliche Absurdität. Witzige, ironische Schnappschüsse, die sich an andere ästhetische Regeln halten.

Zum anderen interessiert mich die damalige Verortung der Handarbeitenden Hausfrauen im stillen Kämmerlein, denen wenig

zugetraut wurde. Schon gar nicht, dass Handarbeit nicht nur ein Handwerk, sondern weitaus mehr sein kann, aber vor allem

keine weibliche Attitüde.

Das möchte ich verbinden, möchte private Dinge, die achtlos zur Seite gelegt wurden, sichtbar machen, der Öffentlichkeit

zeigen. Und das Sticken raus aus der heimatlichen Umgebung holen.

Und warum dann die Stickerei?

In den 60er / 70er Jahren begann die Welle der Emanzipation, die Frauen gingen raus. Wenn Sie so wollen gibt meine

Stickerei den Motiven eine Seele, macht aus arg sorglos weggeworfenen Dias, ein Unikat. Ich emanzipiere die Bilder, die

Frauen auf meine Art.

Viele ihre Arbeiten sind unverkäuflich, selten sind Arbeiten von Ihnen zu erwerben. Warum ist dies so?

Ich schaffe nicht bewußt Knappheit, aber ich möchte dass mich einige Arbeiten begleiten. Einige Arbeiten tun dies sehr

lange, manche sicherlich ein Leben. Ein Bild liest sich für mich wie ein Tagebuch, ich weiss genau wann, wo und wie ich

gearbeitet habe.

Ich las vor kurzem in einem Museumskatalog ihrer Ausstellung einen bemerkenswerten Satz über ihre Arbeiten.

Wie lautet der gleich nochmal bitte.

Übereinanderlappende Jahrzehnte, zusammengefügte Ebenen und Techniken ergeben ein Ganzes - welches im Gegensatz zu der

Schnelligkeit und Technik der Gegenwart - in minimaler Geschwindigkeit durch Handarbeit mit  Wolle und Garn geradlinig überschwemmt wird.

Katharina Wilke lebt und arbeitet in Bielefeld  

Die wesentliche Auseinandersetzung im Werk der aus Brasilien stammenden Künstlerin  Isabelle Borges besteht in der Zerlegung und Neuordnung substanzieller geometrischer Formenund Formkonstruktionen.

"Es geht mir um den Raum hinter dem Raum, um Raumschichten, aber auch um Zwischenräume. Ich meine Raum nicht leer, als einen Ort zwischen A und B, sondern eher als eine Art bewegten Gewebes, welches sich mehrmals gefaltet und sich drehend, in vielerlei Schichten und Verhältnissen unserer augengesteuerten Realität entzieht. Die von mir dargestellte Räumlichkeit entsteht aus der Faltung bewegter Flächen."

Isabelle Borges lebt und arbeitet in Berlin. Wir freuen uns sehr, die Arbeiten von Isabelle Borges  erstmalig in Hamburg zu präsentieren.  

VITA

geboren in Salvador / Brasilien, lebt und arbeitet in Berlin  



1989 - 1992  Escola de Artes Visuais - Rio de Janeiro
1992   - 1993  Atelierassistent bei Sigmar Polke, Köln
1994   - 1995  Atelierassistent bei Jack Ox und Antonio Dias, Köln
1995   - 1997  Kunstakademie Düsseldorf, bei Prof. Christian Megert  

EINZELAUSSTELLUNGEN (Auszug)

2014   -   Dobras Silenciosas - Galeria Paralelo / Sao Paulo (Katalog)
2014   -   Interchangeable Templates / Isabelle Borges + Amelie Grözinger / Smac Projektraum für Kunst / Berlin  
2013   -   the arrow of time  (kuratiert von Tereza de Arruda)  - Museo Brasileiro da  Escultura / MUBE / Sao Paulo  
2013   -   Isabelle Borges.+ Bernd Hahn - Galerie alte Schule / Ahrenshoop / Germany
2012   -   Suchmaschine läuft / works on paper - Galerie Exhibeo / Berlin  
2011   -   Der unsagbare Raum - Kunstverein Meiningen / Meiningen / Germany  (Katalog)
2011   -   the arrow of time (intro) - Galerie im Tempelhofmuseum / Berlin (Katalog)  

GRUPPENAUSSTELLUNGEN (Auszug)

2015 -   International Standard / Wall pieces - Geisberg / Loop-raum Berlin  
2015   -   Inaugural Exhibition / Galerie Patrick Ebensperger / Wien
2015   -   A Painting-Show / Galerie Patrick Ebensperger / Berlin
2014   -   Außer der Reihe - Galerie Eigen + Art / Leipzig  
2014   -   Orte / Nicht-Orte / Kunstverein Uelzen / Museum Schloss Holdenstedt /  Uelzen  
2014   -   Restatement - Galerie Schütte / Essen  
2013   -   Borges - Budet - Popescu - Galerie Eigen Art Lab / Berlin  
2013   -   So abstrakt ! the Wand / Berlin  
2013   -   mixed signals / part II Kunstverein Ulm / Ulm (Katalog)
2013   -   How lonely does it get ? ... dumm dumm dumm da do dumm dumm Black  bridge off space / Beijing Heiqiao  
2013   -   on Paper   - Galerie Eigen Art Lab / Berlin  
2013   -   Borges - Budet - Popescu - Galerie Eigen Art Lab / Berlin  
2013   -   Berliner Salon / part II (21 Painter from Berlin)   Kunsthaus Meiningen    

Wir freuen uns Ihnen die neuen Arbeiten unserer Hamburger Künstlerin Gesine Englert zu präsentieren. Mit ihrem so typischen Spannungsspiel zwischen Aggression und Poesie verstören ihre Werke auf den ersten Blick, entfalten beim genaueren Hinschauen aber eine außergewöhnliche Kraft, dem sich der Betrachter schwerlich entziehen kann.

Gesine Englert ist eine Malerin, deren Bilder ohne Skizze oder Vorzeichnung entstehen. Das Radikale in ihrer Bildsprache bildet sich im Arbeitsprozess, intuitiv und unmittelbar. Dabei beherrscht sie das Chaos, gibt ihren Figuren Halt und Seele.

Wir zeigen in der Gruppenausstellung paper works #002 Originalgrafiken, Drucke und Zeichnungen aus europäischen Sammlungen und Künstlern unserer Galerie.

Abbildung: Antoni Tàpies . 1987 . Farblithographie . Auflage 100 . 103 x 73,5 cm  

Im Mittelpunkt der Ausstellung ANDERWELT steht der Mensch in Bezug

zu seinem Umfeld. Die künstlerischen Positionen befinden sich in einem

Spannungsfeld zwischen Realität und Verfremdung. Die Figuren in den

Arbeiten scheinen isoliert und nach innen gekehrt, die Bildsprache oftmals

rätselhaft und zeitlos.

Die Gruppenausstellung mit dem Titel ANDERWELT zum einjährigen

Bestehen der HOLTHOFF-MOKROSS Galerie zeigt zeitgenössische Kunst zu dem oben beschriebenen Thema.

Abbildung: Stefan Oppermann . Haubenträger (Kerker) . 2007 . Acryl auf Nessel . 50 x 40 cm  

Seltsam still, ohne jegliche Extrovertiertheit, schauen die Skulpturen durch den Betrachter hindurch und scheinen im Außen kein Interesse zu haben. Die Büsten von Annette Meincke-Nagy wirken wie aus einer eigenen Welt. Zeitlos wandeln sie wie Tagträumer durch die (Kunst)Geschichte. Es entsteht ein geheimnisvolles, faszinierendes Spiel zwischen Distanz und Präsenz. Vielleicht erhalten wir durch die Arbeiten der Künstlerin auch einen kleinen Blick in unseren eigenen Seelenzustand. Die plastischen Bildfindungen sind eine Hommage an die Schönheit und Würde der menschlichen Physiognomie. "Sich in ein Gesicht hineinzubegeben, wie in eine Landschaft, das ist es was mich reizt."

Annette Meincke-Nagy studiert Gesichter in ihrer eigenen Umgebung und führt die Ästhetik alter Meister der Portraitmalerei fort. Die Künstlerin hat bei Almut Heise und Friedrich Einhoff studiert.

Vernissage: 29. August 2014 . 19-22 Uhr
 

VITA
1965  geboren in Bonn, aufgewachsen in Dänemark, Frankreich, Hollland
1984-1985  Universität Lausanne, Schweiz
1985-1986  Hochschule für Bildende Künste Budapest, Ungarn
1986-1991  Fachhochschule Hamburg, Fachbereich Gestaltung, bei Friedrich Einhob und Almut Heise
1987  Sommerakademie Salzburg, Malerei, bei Johannes Grützke
1993  Diplom
Seit 1993  Freischaffend in Hamburg
1999-2001  Stipendium "Die Zwölf” , Hamburg
2006  Dozentin für die Begabtenstipendiaten der Lichtwarkgesellschaft
1999-2008  Lehrauftrag an der Hochschule für angewandte Wissenschaften, Hamburg,  Fachbereich Gestaltung
 

"Die Begegnung meiner Selbst mit der Spiegelung auf der bewegten Wasseroberfläche hat mich lange beschäftigt. Mein Spiegelbild ist so anders als das Bild, das ich von mir habe. Das Abbild erscheint verzerrt, es wird abstrakt. Die Farben bleiben gleich, ich selbst scheine ein anderer zu sein: Ich selbst zwischen "Sein und Schein". Die Beschäftigung mit den Bildwelten des gebrochenen Abbildes, führte mich zu einer weiteren Auseinandersetzung mit der Zwiespältigkeit und Gebrochenheit der Welt und der menschlichen Existenz : Der Mensch zwischen "Sein und Schein". Ich möchte in meinen Bildern Bezüge zu Menschen aus meiner Umgebung sowie zu aktuellen Geschehnissen und Berichten aus den Medien herstellen, mein Interesse und meine Berührtheit deutlich machen."
Jan Köhnholdt  
 

Titelbild:  ENTSPANNT . 2012 . Acryl/Öl auf Leinwand . 180 x150 cm  

VITA
1977 geboren in Hamburg

1997 -  2001 Auslandsaufenthalte in London und Sevilla

2000- 2001 Besuch der Escuela des artes applicades, Seville

2003- 2009 Studium der greinen Malerei an der Akademie der Bildenden Künste Wien, Prof. Hubert Schmalix, Prof. Peter Dressler, Prof. Amelie von Wulffen

2009 Diplom, magister artium  


 

Bremer Meistermaler zu Gast in Hamburg

Der Bremer Künstler Jub Mönster ist bekennender Sympathisant der neuen Frankfurter Schule. Ob collagenartige Malerei, inszenierter Realismus, der nur auf den ersten Blick stimmig erscheint bis hin zu detailverliebten Kugelschreiberarbeiten sein Gesamtwerk ist vielfältig und beeindruckend.
 

"Jub Mönster ist ein Freund des Speziellenim Beiläufigen. Er sucht und entdeckt versteckte Geschichten in Fotofunden, erweckt Pointen und Anekdoten in Zeichnungen und Malerei.  

(Dr. Rainer Beßling, Kulturjournalist, Bremen)

"Auf seinen Bildern kontrastiert, kollidiert das Realistische - man könnte auch sagen, das Vertraute oder Wiedererkennbare - mit dem Fiktiven..." (Prof.Dr. Bernd Küster, Direktor der Museumslandschaft Kassel)
 

Erstmals in Hamburg zeigen wir eine Retrospektive des Künstlers. Nach vielen nationalen und internationalen Ausstellungen wird es Zeit, den Bremer Künstler in Hamburg willkommen zu heißen.  

Nina Hotopps Malerei widmet sich seit vielen Jahren dem Thema Mensch. "Mein Kunstinteresse wurde schon immer von kritischen, sozialpsychologischen Themen geleitet. Mich beschäftigt dabei vor allem der Mensch als komplexes Individuum in der Gesellschaft."

In ihren Arbeiten, die vordergründig Sittengemälden ähneln, zeigt die Künstlerin eine auf den ersten Blick trügerische Idylle. Beim näheren Betrachten offenbaren sich jedoch nicht konkret verortbare Figuren, die von innerer Zerrissenheit getrieben zu sein scheinen. Nina Hotopps Bilder zeigen auf verwirrend subtile Art versehrte und isolierte Geschöpfe,die uns allmählich einen Blick hinter ihre Fassaden erlauben. Ihre Werke erzählen von dem "schmalen Grat zwischen Schein und Sein ". So sind es irritierende Bilddetails, die erst bei genauerem Hinschauen sichtbar werden. Gebannt und hingerissen blicken wir dabei als Betrachter auf seltsam entrückte Menschen, deren Geschichte sich nur erahnen lässt.

Vita

1969 geboren in Hamburg

1990 - 95 Studium an der Fachhochschule für Gestaltung in Hamburg

1995 Diplom in Illustration bei Prof. Rüdiger Stoye

2001-2007 Studium an der Hochschule für bildende Künste Hamburg

Lebt und arbeitet als freischaffende Malerin in Hamburg